EL LIMPIABOTAS (1946). La infancia en la postguerra.

Roma, 1946. La trama se sitúa después de la liberación, numerosos ciudadanos no les queda otra alternativa que traficar en el mercado negro; mientras muchos niños, abandonados a su suerte, sobreviven con pequeños oficios, como el de limpiabotas. El film narra la triste historia de dos niños inseparables, Giuseppe y Pasquale, quienes sueñan y consiguen comprar un caballo. Pero el mundo de los adultos perturbará su infancia y les conducirá a la tragedia.

El título original de la película responde a cómo ofrecían estos trabajadores limpiar los zapatos a los soldados norteamericanos durante la ocupación: «shoe shine» pronunciado por ellos como «sciucià». Realizada en plena calle de Roma y con preadolescentes que se interpretan a sí mismos, este film con mezcla de poesía y testimonio es una de las piezas cumbres del neorrealismo. Conviene recordar que la Segunda Guerra Mundial había dejado diezmada Europa como ninguna otra conflagración, y no siendo hasta 1948 cuando empieza la primera fase de recuperación del continente, puesto que los primeros años de posguerra fueron de absoluta penuria económica y productiva en la mayoría de los países.

PRINCIPIO Y FIN (1993). Lucha contra la pobreza.

Los Botero son una familia de clase media mexicana que lucha contra la pobreza tras la muerte del padre. Ignacia es la madre, una mujer desesperada que trata de sacrificar el destino de sus tres hijos mayores para proteger a Gabriel, el más joven. Ella cree que Gabriel cambiará la estructura social y devolverá la fortuna a la familia. Pero el destino tiene otros planes para los Botero y la tragedia puede volver.

Basado en la novela homónima del egipcio Nagib Mahfuz («El Callejón de los Milagros«) con guión de Alicia Paz Garciadiego y el propio Arturo Ripstein, «Principio y Fin» es un melodrama que, como en otras películas del director, se aparta del canon de este género en el cine mexicano. El sufrimiento en su aspecto más insano. La madre es privada de su aura romántica y heroica, donde se privilegia la sobreprotección y el chantaje como motores maternales así mismo la familia se convierte en el vergonzoso núcleo de la sociedad. En la ruina, los Botero tratan de que el fin justifique los medios al sacrificar todo, incluso el alma, para pagar los caros estudios del hermano universitario. Los persuasivos consejos de la madre son tomados como fervorosa ortodoxia. El padre acaba de morir y con él quedaron enterrados la cordura, el amor filial y el orgullo.

EL ÚLTIMO MAGNATE (1976). La despedida cinematográfica de Elia Kazan.

Se trata de una adaptación cinematográfica de la última e inacabada novela de Francis Scott Fitzgerald, realizada con la ayuda del guión de Harold Pinter. Una historia ambientada en la época dorada de los estudios de Hollywood, durante los años treinta, e inspirada en la figura de Irving Thalberg, ejecutivo de la MGM conmocionado por la prematura muerte de la esposa.

Parece aceptado que la novela está inspirada en Irving Thalberg (1989-1936) conocido con el apelativo de «Chico Maravillas», dada su enorme capacidad de trabajo y de control sobre todo el proceso de elaboración de las películas, desde la escritura del guión hasta la configuración del equipo. Visionario personaje perteneciente a una época en que el productor era más importante que el director, se inició en los estudios Universal, aunque la mayor parte de sus éxitos se produjeron en la Metro Goldwyn Mayer. En los años 30 recibió el Oscar por películas como «Gran Hotel (1932)» y «Motín a bordo (1935)«, y trabajó hasta el final de su vida dejando como herencia la fundación Irving Thalberg Memorial Award, dedicada a la ayuda a la producción de filmes, desde 1937. Mediante el hilo conductor del protagonista, Monroe Stahr (Robert De Niro), el talentoso productor de un estudio cinematográfico, conoceremos una amplia descripción del cine dentro del cine, tanto de sus personajes, de sus decorados y de sus fantasmas del glorioso pasado.

LAS AVENTURAS DE PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO (1994). El road movie musical australiano de Stephan Elliott.

Felicia (Guy Pearce) y Mitzi (Hugo Weaving) son dos varones homosexuales, artistas que viven de sus actuaciones en directo en pequeños bares. Durante sus espectáculos, se transforman en auténticas Drag-Queens, cantando en modo playback antiguas canciones de música disco y coreografiando sus propios números con su particular estilo y vestuario. Su público no siempre aprecia su original estilo y sufren algún que otro percance tan característico de la sociedad australiana que se pretende fotografiar, donde imperan las condiciones de macho viril con escasa o nula tolerancia a cualquier evento que requiera una mente más abierta.

Bernadette (Terence Stamp), es un transexual, una auténtica artista cabaret famosa en su juventud, pero actualmente en completa decadencia, especialmente tras la repentina muerte de su joven novio. Mizti, recibe una llamada telefónica que le resulta muy inquietante: ha sido contratado para actuar en un hotel de Alice Springs, en mitad del desierto rojo de Australia. Tras acompañar a su gran amigo Bernadette en el funeral de su pareja, lo convence para que viaje con él, intente olvidar sus penas y les aporte su experiencia para el espectáculo, ya que para él supone una cita muy importante.

LA RESIDENCIA (1969). El debut en la gran pantalla de Narciso Ibáñez Serrador.

Madame Fourneur (Lili Palmer) dirige con mano de hierro una Residencia de señoritas descarriadas que están en el punto de mira de un descuartizador que actúa por las noches.

Para su debut como director en la gran pantalla Narciso Ibáñez Serrador(nacido en Uruguay en 1935 y nacionalizado español) apostó sobre seguro: el Terror Gótico que ya había pulsado con acierto en su serie televisiva «Historias para no dormir«. Allí, Serrador ya se había fogueado a conciencia con sótanos, desvanes, gritos horripilantes y toda la parafernalia necesaria para mantener asustado y muy despierto al telespectador. El éxito de la serie le permitió afrontar su primer largometraje con un presupuesto holgado que se tradujo en una ambientación impecable y un curioso casting que mezcla sin complejos a la veterana y solvente Lili Palmer con un grupo de jóvenes que incluye actrices españolas y británicas (como la inquietante Mary Maude) y también modelos publicitarias y presentadoras de continuidad de La Televisión Española de la época.

Revisada con la perspectiva que da el tiempo transcurrido desde su exitoso estreno, «La Residencia« aguanta el tipo perfectamente por su precisión a la hora de mezclar distintos elementos y personajes, permitiéndose realizar malabarismos al arrebatar el protagonismo ahora a una y luego a otra actriz para crear casi un planteamiento coral que le va muy bien a la película. Como también le va bien la efectista banda sonora de Waldo de Los Ríos que Serrador sabe hacer callar en algunos momentos decisivos sabiendo que el silencio vale su peso en oro a la hora de crispar al personal.

MARNIE LA LADRONA (1964). Los robos de Tippi Hedren.

Marnie (Tippi Hedren) es una embaucadora y atractiva joven que se sirve de su físico y su trabajo como secretaria en diferentes empresas para perpetrar sus robos. Va cambiando de aspecto y de ciudad. Tras adquirir una nueva identidad, consigue trabajo en oficinas donde sea fácil cautivar a sus jefes y distraerlos mientras ella prepara un calculado plan para vaciar cajas fuertes. Su impecable y calculada rutina cambia el día en que un joven empresario, Mark Rutland (Sean Connery) queda completamente cautivado por ella. Accidentalmente, descubre sus hábitos delictivos, y pese a ello, se siente irremediablemente atraído por ella. Mark toma la extraña decisión de casarse con ella y tomarse como un reto personal resolver el enigma que esconde el cerebro de tan bella y extraña mujer. Asume un papel que oscila según el momento del metraje entre marido protector de una mujer con problemas y un individuo que se plantea descifrar un enigma.

De esta forma Alfred Hitchcock hace participar al espectador, identificándose con la figura del joven empresario, como si de un detective se tratara para intentar resolver el más complejo de los casos: lo que reside en el interior de una mente femenina tan fría y calculadora.

PICKPOCKET (1959). El carterista de Robert Bresson.

«Esta no es una película de estilo policiaco. El autor trata de expresar a través de imágenes y de sonidos, la pesadilla de un joven empujado por su debilidad, en una aventura de robo para la cual no estaba hecho. Pero esta aventura, por caminos extraños, reunirá a dos almas, que sin ella, quizás nunca se hubieran conocido». Con este prólogo nos introduce Robert Bresson en uno de los setenta y dos minutos más hermosos que han existido en el séptimo arte.

París. Finales de los cincuenta Michel es un joven solitario, vive en una pequeña habitación repleta de libros. La relación con su madre es distante y está a cargo de Jeanne, una joven que ha sido abandonada a su vez por su madre y que vive con un padre alcohólico. A Michel le atraen los robos, más por fascinación y por experimentar sensaciones distintas, dadas por su superioridad intelectual y satisfacción personal, que por verdadera necesidad. Se dedica a ejecutar pequeños hurtos de carteras o relojes. Un día ejecutando uno de ellos es detenido. Allí tendrá tiempo de reflexionar sobre su existencia y actividad. Al morir su madre, Michel se dedicará profesionalmente a lo que hasta ahora era un pasatiempo que le reportaba algún beneficio. Para ello, una banda de carteristas le enseñará la técnica del oficio y a ejercitar la habilidad de sus manos.

LA JUVENTUD (2015). La vejez de Michael Caine y Harvey Keitel.

Fred Ballinger (Michael Caine), es un octogenario que está disfrutando de un placentero descanso en un lujoso y privilegiado hotel ubicado en los Alpes. Le acompaña su gran amigo de la infancia, Mick (Harvey Keitel), que está intentando junto a un grupo de jóvenes guionistas finalizar lo que él mismo denomina como «su último gran legado como director». La hija de Fred, Lena (Rachel Weisz), tras un breve e inicial visita a su padre, termina volviendo para pasar con él todas las vacaciones, ya que su marido decide abandonarla inesperadamente y de forma brusca.

En este paradisíaco lugar de reposo y descanso, es donde Fred, un famoso director y compositor de música ya retirado, pasa los días sin hacer absolutamente nada. Simplemente se deja llevar por los cuidados que le aplican a su desgastado cuerpo, realiza largos paseos con su gran amigo de toda la vida y observa a los demás habitantes del hotel.

Conforme avanza el metraje llegamos a conocer la fama que pudo alcanzar este director de orquesta ya retirado por varios motivos: Desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe. El otro dato de su notoriedad, es representado por un pequeño niño que practica con su violín una partitura fundamental para su formación, cuyo escritor resulta ser el propio Fred Ballinger.

AMADEUS (1984). La vida de Mozart por Milos Forman.

Salieri (F. Murray Abraham) es llevado al manicomio luego de intentar suicidarse y en su reclusión rememora su vida y rivalidad con Wolfang Amadeus Mozart (Tom Hulce). El veterano músico se desempeñaba en la corte del emperador José II de Habsburgo (Jeffrey Jones) y era su favorito hasta la llegada de un ser extraño pero tocado por el genio y amado por los dioses (Amadeus). Si para Salieri la composición de una obra musical era cuestión de sudor y lágrimas para el otro era una suerte de inspiración instantánea como si la música brotara de su cabeza de forma casi involuntaria. Los celos no tardan en aparecer lo que lo llevará a estar a su lado para aprender de él y en momento justo traicionarlo.

Rodada en 1984, en plena era Reagan, conservadorismo extremo, una película así representaba la ambición desmedida y pisar a todos para alcanzar el éxito. No en vano las secuencia finales nos muestran a un Salieri junto a un agonizante Amadeus tomando nota de su última obra La misa de requiem con la supuesta intención de usurpársela. No obstante el elegido es el joven y no aquél, que por más virtud y castidad que haya ofrecido no es más que el santo patrón de los mediocres.

EL ESCÁNDALO DE LARRY FLYNT (1996). El polémico imperio Hustler.

En la primera mitad de los años setenta la sociedad americana empieza a vivir tiempos de revolución sexual, lo que aprovecha un empresario para montar una cadena de locales de strep-tease y posteriormente construir un imperio en torno a las revistas con desnudos y principalmente la cabecera Hustler, competencia directa de la célebre PlayBoy de Hugh Heffner.

Película biográfica sobre la figura del controvertido y polémico Larry Flynt, irreverente, soez y visionario creador de imperio Hustler, una de las revistas pornográficas más conocidas; desde sus inicios, hasta convertirse en multimillonario, pasando por sus múltiples problemas con la justicia, hasta el atentado que sufrió por parte de un segregacionista ofendido, y que le postergó a una silla de ruedas paralizado de cintura para abajo.

Con guión de Scott Alexander y Larray Laraszewski, guionistas de «Ed Wood (1994)«, de Tim Burton, y producida por Oliver Stone, Milos Forman llevó a la pantalla esta biografía, quizá con algún exceso de idealización, o quizá que el propio personaje es excesivo y desmedido en sí mismo, aunque provocadora, esta película sobre el polémico editor Larry Flynt.

REVOLUCIÓN (1985). Al Pacino en la Independencia de los Estados Unidos.

Revolución recrea la reconstrucción de los hechos revolucionarios de la Independencia norteamericana desde el verano de 1776 hasta la sangrienta victoria de 1781 en Yorktown. Y lo hace a través de las desventuras de un trampero analfabeto. Tom Dobb (Al Pacino), un huérfano de Glasgow, que fue trasladado de niño a las colonias de ultramar y vendido a un londinense que comerciaba con los mohicanos. Con el tiempo, Tom de convertirá en cazador y traficante de pieles, hasta que unas fiebres acaban con la vida de su esposa y tres de sus hijos; el cuarto y único superviviente, se verá obligado a enrolarse en el ejército.

Así, Tom se encuentra metido en una guerra entre el Ejército británico y los colonos americanos, que no tiene ningún sentido para él. Y su postura individualista se verá pronto acrecentada por su lucha personal contra el sargento inglés Peasy, que ha torturado a su hijo. Por otra parte, conoce a Daisy, hija de un rico comerciante de Nueva York, quien ayuda a los dos bandos y no desea tomar partido hasta el final de la guerra. Daisy es una revolucionaria convencida que se reencontrarán en el caos del histórico Día de la Victoria. Esta derrota supuso la mayor derrota de la Gran Bretaña en los tiempos modernos y al nacimiento de una nación que se convertirá en la más poderosa del mundo contemporáneo.

ACORDES Y DESACUERDOS (1999). Las andanzas del guitarrista Emmet Ray.

Sweet and Lowdown que traducido al español es algo así como «Dulce y Melancólico» es también el título de una canción de George Gershwin incluida en varios musicales de Broadway. A su vez es el título de un film de 1944 dirigido por Archie Mayo e interpretado por el clarinetista Benny Goodman, más conocido como «King of Swing«. Woody Allen como buen aficionado al jazz y también clarinetista tal y como lo demuestra en el documental «Wild man blues (1998)» seguramente escogió dicho título bajo la influencia de alguna de estas referencias.

Inspirado libremente en «La Strada (1954)» de Federico Fellini y al igual que otro de sus títulos mas acertados, «Zelig (1983)«. «Acordes y Desacuerdos» sigue la estructura de un falso documental, interrumpido ocasionalmente por los testimonios de críticos (entre ellos el propio Allen) que comentan la trama de la película como si se tratase de una historia real. En ella se narran las andanzas ficticias de un talentoso  guitarrista de jazz llamado Emmet Ray (increíble Sean Penn), personaje con extrañas aficiones como observar trenes o matar ratas en el vertedero, tal y como se muestra en la maravillosa secuencia donde conoce a su nueva novia sordomuda, Hattie (Samantha Morton). Al bueno de Emmet ante la falta de comunicación en un principio no se le ocurre otra cosa que pasar el rato enseñándole a Hattie como disparar  a los pobres roedores. Aunque Emmet puede parecer un personaje rudo, su personalidad esconde cierta fragilidad e inseguridad, como cuando sufre de miedo escénico ante el falso rumor extendido en un club antes de un concierto suyo, en el que se le informa de la presencia de Django Reindhart, mítico guitarrista e icono del jazz europeo, no en vano en un momento previo del film el propio Ray se presenta así mismo como «el segundo mejor guitarrista del mundo, después de Django Reindhart».

THE SMALL BACK ROOM (1949).El alcoholismo de David Farrar.

Este film supuso la vuelta a un oscuro blanco y negro en el cine del tándem compuesto por el inglés Michael Powell y el austro-húngaro Emeric Pressburger después del magistral tríptico en color que comprende «A vida o muerte (1946)«, «Narciso negro (1947)» y «Las zapatillas rojas (1948), tres de sus mas influyentes y conocidas películas con el maestro de la fotografía Jack Cardiff a cargo de una impresionante paleta de colores nunca vista en el cine hasta ese momento. Aunque con reconocimiento tardío, el trabajo del dúo Powell/Pressburger es admirado actualmente por realizadores como Scorsese, Wenders, Tavernier o Coppola y llegó a cotas de gran calidad sobre todo a partir de la creación de su propia compañía The Archers, cuyo logotipo, una diana con ocho flechas y una novena que se incrusta justo en el centro, representan una de las mas destacadas etapas del cine inglés y en cuyos trabajos suelen aparecer compartidos los créditos de dirección, producción y guión por Powell y Pressburger, sin poder saber a ciencia cierta lo que pertenece a cada uno de ellos en cuanto a autoría y por eso mismo dicha marca no deja lugar a dudas de encontrarnos ante una serie de títulos nada convencionales debido probablemente a la firma conjunta de ambos autores.

NASHVILLE (1975). La capital del country.

Al igual que ocurriera en «M.A.S.H. (1970)«, en Nashville, volvemos a encontrarnos con un Robert Altman a su aire, jugando con el medio, y, esta vez abarrotando la pantalla con una multitud de personajes y de temas diferentes, y presentándonos un pequeño mundo creado por él mismo.

Nashville es una visión muy personal del director, satírica, de los Estados Unidos, de su política, de su música, de su forma de vida; todo ello se resume en una frase de una de las canciones: «Algo debemos estar haciendo bien para haber durado 200 años…». Es una película que es, al mismo tiempo, una sátira, con elementos de musical country y western, una visión estrecha del propio Nashville, la capital del country, así como un estudio de las relaciones entre los músicos y el público. Aquí no existe un protagonismo único destacable; solo una serie de personas de similar importancia.

El punto de partido de la cinta es un concierto pop organizado en apoyo de un enorme mitin político de un candidato a la presidencia de los EEUU, en un espacio de tiempo determinado; durante cinco días y esto da pie a la cámara para seguir las actividades independientes e interrelacionadas, de por lo menos, una veintena de personas, sin un hilo argumental único, sin una narración lineal, sino tejiendo entramados e insertados en varias corrientes argumentales, todos ellos bien definidos y, vulnerables en su mayoría, en búsqueda del reconocimiento público; unos mediante su música, otros al amparo de la política. Con diálogos superpuestos, tan característicos del director, en que fluye la comunicación o, la incomunicación, no quedando claro si es asimilada por el receptor, desviando continuamente la atención y sucediendo todo al mismo tiempo. Todo ello, a priori, puede parecer algo caótico y llevar a confusión al espectador, pero Altman es maestro en esas lides y pone de manifiesto la falta de ética en el mundo del espectáculo, de la industria musical. De hecho, la película se inicia enérgicamente, como si se tratara de una promoción musical por parte de alguna discográfica, mientras van apareciendo los títulos de crédito.

HELLO DOLLY! (1969). Barbra Streisand canta para Gene Kelly.

Nos encontramos en el Nueva York de finales del siglo XIX. Dolly Levi (Barbra Streisand) es una casamentera viuda de mediana edad que presta sus servicios a un maduro millonario solterón de Yonkers, Horace Vandergelder (Walter Mathau), que posee un negocio de piensos y forrajes. En realidad, Horace contrata los servicios de Dolly para alejar a su sobrina Ermengarda, presentándola a jóvenes adinerados de Nueva York, de su novio, que resulta ser un artista, por lo que Horace piensa que es un muerto de hambre que no puede traerle nada bueno a su sobrina. Dolly le propone presentarle a una joven propietaria de una sombrería llamada Irene Molloy, a la vez que en realidad quiere ayudar a su sobrina y a su novio a estar juntos porque, por encima de todo es romántica. A la trama se suman las divertidas peripecias de los jóvenes dependientes que trabajan para Horace. Cornelio Hackl (Michael Crawford) y Bernabé Tuckel (Tommy Tune), que aprovechan la ausencia de su jefe para pasar un día en Nueva York, lo que le sirve a Dolly para emparejarles con Irene y Minnie, su joven dependienta, y así dejar libre a Horace, que es a quien ella quiere.

A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS (2013). Los hermanos Coen a ritmo de folk.

Nueva York, 1961. Llewyn Davis (Oscar Isaac) es un joven cantante de folk que intenta sobrevivir con su nuevo estilo de música cantando en pequeños garitos, sin casa, sin pertenencias y rechazando al amor de su vida. Es un idealista representativo del Greenwich Village de la época, donde los verdaderos artistas tenían todo menos lujos económicos.  Empeñado en su especial cruzada por defender un nuevo estilo musical decide emprender un viaje a Chicago, que vislumbra como su única oportunidad para que su música sea conocida. Su finalidad es una audición con el magnate de la música Bud Grossman. Al igual que en «Oh, Brother! (2000)» la temática del viaje se repite, esa búsqueda de la propia identidad a través de diferentes personajes que encuentra en su camino. No es por casualidad que un gato llamado Ulises decida acompañarlo. En su viaje sin recursos, compartirá coche con un muy singular músico de Jazz y su chófer. El músico es un espectacular John Goodman, uno de los secundarios de lujo habituales de los hermanos. En este film representa a un heroinómano, un gran músico de jazz que conoció sus días de gloria, pero que actualmente está demasiado deteriorado tanto física como mentalmente, quizás por una vida de lujo y excesos. Es incapaz de dar un solo paso por sí sólo, camina con la ayuda de muletas y de su chófer, que lo acompaña siempre. Es un individuo profundamente amargado que descarga toda su ira verbalmente contra nuestro protagonista. Durante el viaje en coche, Llewyn, tendrá que sufrir las burlas y las agresiones verbales de un afamado músico venido a menos por los excesos y las drogas. Unos diálogos absolutamente incisivos, críticos y brillantes, donde los Coen no pueden sino enfrentar la rivalidad entre dos generaciones, la joven y desconocida Folk frente a la afamada, bien conocida y llevada hasta la lujuria música Jazz. Este viaje en coche está rodado a modo de «road movie», incluída como una subtrama dentro del relato, funciona como elemento clarificador para las aspiraciones y forma de entender la vida de nuestro protagonista.

MUERTE EN VENECIA (1971). Amores prohibidos.

Venecia a principios del siglo XX. Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), un compositor alemán maduro, visita la ciudad de las lagunas para recuperarse de una crisis nerviosa. Se hospeda en un hotel junto al mar, donde también se han hospedado una noble polaca (Silvana Mangano) con sus hijos y sus criados. Su hijo Tadzio (Bjorn Andresen), un adolescente pálido y delicado, con largos cabellos rubios, llama la atención de Aschenbach. Pronto incluso despertará en él una admiración apasionada que provocará que sus días cada vez estén más determinados por la observación del bello muchacho. Al final, la fascinación por el hermoso adolescente se apoderará por completo del compositor que decide entrar en contacto con él. Ignora la amenaza del cólera que se propaga por la ciudad.

Son pocas las versiones cinematográficas de clásicos de la literatura que hayan conseguido salir airosos de ella: Muerte en Venecia, es una de ellas, quizá porque Visconti no dudó en exponerse a los reproches que tuvo por la falta de fidelidad de la obra por su adaptación de la célebre novela del Nobel de literatura del año 1929, Thomas Mann, en la que efectuó notorios cambios para llevar a la pantalla con más claridad su visión del argumento ayudado por Nicola Badalucco en el guión (con quien ya había colaborado en La caída de los dioses).

EL PIANO (1993). El drama romántico de Jane Campion.

Ambientada en el año 1851, el relato comienza con la voz en off de una niña. Sin embargo, esa voz que oímos sólo existe en la mente de Ada, (Holly Hunter) una viuda de mediana edad que quedó muda a los seis años. Se ha valido de la música, de su forma de tocar su piano como principal medio de expresión. Para comunicarse con los que la rodean cuenta con su pequeña hija Flora (Anna Paquin) y un cuadernillo para escribir que cuelga de su cuello. Un matrimonio concertado la obliga a abandonar su Escocia natal para viajar hacia Nueva Zelanda, donde la espera un marido granjero, un colono bien educado y piadoso, Stewart (Sam Neill) el cual no teme a la discapacidad de Ada, pero carece de la sensibilidad necesaria para apreciar su música y lo que para ella representa. Su sufrimiento comienza en el mismo momento del desembarco en el nuevo continente, cuando su abundante equipaje no puede ser trasladado desde la playa hasta la granja por ningún medio de transporte y son los propios aborígenes los encargados de dicha tarea. Stewart obliga a Ada a abandonar el piano en la misma playa por ser una carga demasiado difícil y pesada. El vecino y amigo de su marido George (Harvey Keitel) será el único que intente ayudar a Ada para que pueda volver junto a su piano, iniciándose entre ambos una relación especialmente intensa e inesperada. Esta exitosa película de la directora Jane Campionsuele ser comentada por la deliciosa banda sonora original de Michael Nyman, que consiguió ser un éxito por sí misma, y por las colosales actuaciones de cuatro actores en estado de gracia, incluyendo el debut infantil de Anna Paquin. 

ACORDES Y DESACUERDOS (1999). Las andanzas del guitarrista Emmet Ray.

Sweet and Lowdown que traducido al español es algo así como «Dulce y Melancólico» es también el título de una canción de George Gershwin incluida en varios musicales de Broadway. A su vez es el título de un film de 1944 dirigido por Archie Mayo e interpretado por el clarinetista Benny Goodman, más conocido como «King of Swing«. Woody Allen como buen aficionado al jazz y también clarinetista tal y como lo demuestra en el documental «Wild man blues (1998)» seguramente escogió dicho título bajo la influencia de alguna de estas referencias.

Inspirado libremente en «La Strada (1954)» de Federico Fellini y al igual que otro de sus títulos mas acertados, «Zelig (1983)«. «Acordes y Desacuerdos» sigue la estructura de un falso documental, interrumpido ocasionalmente por los testimonios de críticos (entre ellos el propio Allen) que comentan la trama de la película como si se tratase de una historia real. En ella se narran las andanzas ficticias de un talentoso  guitarrista de jazz llamado Emmet Ray (increíble Sean Penn), personaje con extrañas aficiones como observar trenes o matar ratas en el vertedero, tal y como se muestra en la maravillosa secuencia donde conoce a su nueva novia sordomuda, Hattie (Samantha Morton). Al bueno de Emmet ante la falta de comunicación en un principio no se le ocurre otra cosa que pasar el rato enseñándole a Hattie como disparar  a los pobres roedores. Aunque Emmet puede parecer un personaje rudo, su personalidad esconde cierta fragilidad e inseguridad, como cuando sufre de miedo escénico ante el falso rumor extendido en un club antes de un concierto suyo, en el que se le informa de la presencia de Django Reindhart, mítico guitarrista e icono del jazz europeo, no en vano en un momento previo del film el propio Ray se presenta así mismo como «el segundo mejor guitarrista del mundo, después de Django Reindhart».

ALTA FIDELIDAD (2000). Las aventuras musicales de John Cusack.

Si hay una película de referencia para los amantes de la música y todo lo que gira alrededor de ella, esa es sin duda Alta Fidelidad. Stephen Frears dirige con maestría esta gran comedia musical y romántica adaptando una exitosa novela del mismo nombre de Nick Hornby, desarrollada en un espléndido guión co-escrito por D.V. DeVicentis ,Steve Pink, Scott Rosenberg y el protagonista de la cinta, Jon Cusack.

El propio autor declaró que al ver la película le dio la impresión de que Cusack estaba leyendo su libro, lo cual nos da una idea de la fiel y acertada adaptación al cine que de ella hizo Frears. El único cambio introducido fue pasar la acción  de Londres a Chicago, donde Cusack (a su vez productor del film) se crió y llegó  a declarar que los ambientes musicales descritos en la novela, tiendas de discos y pubs, eran muy similares a los que el conocía, e incluso que él tuvo compañeros «musicales” muy similares a los que aparecen en la película, refiriéndose a los dos empleados de Cusack (Rob) en su tienda ;el tímido Dick (Todd Louiso) y el excéntrico Barry (un Jack Black en su registro ideal).

El trabajo de interpretación de Cusack es espectacular, se intuye su participación en el guión y que se identifica con la historia. Durante buena parte del film, Rob se dirige directamente a la cámara, rompiendo esa cuarta pared y le habla al espectador cara a cara contándole sus fracasos amorosos, y lo hace mediante su personal Top 5, asemejando sus declaraciones a las de cualquier periodista musical de radio o televisión. Este mismo método usan sus dos empleados en la tienda para cualquier situación del día a día y llega a convertirse en todo un lenguaje musical y descriptivo a lo largo de la película. Su tienda «Vinilo de campeonato» es un negocio en horas bajas, en parte debido al «snobismo musical» perpetrado por Rob, Dick y Barry, los cuales incluso llegan a dejar en ridículo a clientes que demuestran un gusto musical pésimo. Ellos son felices simplemente hablando de música todo el día o escuchando las cintas que han grabado mediante un ritual complejo y nada aleatorio, tal y como declara Rob: «hacerle una cinta a alguien es algo que puede llevar días». Definitivamente Rob y sus empleados no se preocupan por las ventas, están demasiado absortos en su burbuja musical.